S.L.B. Después de unos cuantos discos (Personal, Salitre 48, Pájaros Mojados) peleados con la multinacional Universia, el madrileño Quique González, recurrió a su propia Varsovia Récords para poder hacer por fin lo que le daba la gana. Pero es dura la batalla contracorriente, y en un momento de cambio personal y musical, fue Warner quien le permitió cantar y contar sus dos últimos años en 17 canciones. Sin presiones y con una banda nueva, La Aristocracia del Barrio, con menos músicos que los que le vinieron acompañando hasta su Ajuste de Cuentas, pero con un sonido más definido y buscado.

Que además se quiere enseñar la casa, perdida de la mano de Dios, de Quique en Cantabria; pues la sacamos en DVD. Que conociendo al fiel público que le sigue desde hace años les damos el capricho de hacer una edición limitada en vinilo; pues ¡fondos para ello!. Y suena raro a quien se le cuente que hoy se apueste en una multinacional por un músico que al igual que llena El Palacio de los Congresos de Madrid ( hazaña minúscula para la mayoría de Los 40), se tira más de media gira compartiendo cervezas con los 40 que casualmente pasaban por ahí en un local de mala muerte de la carretera.

Algo tendrá González para que sea la niña bonita de la compañía, que no importa si renta mucho porque no oscila según las épocas, sino que siempre está ahí; poquito a poco yendo hacia ningún lugar, solo yendo -que no es poco-. Y haciendo paradas para coger fuerzas, como la de ayer en Madrid. Su gran cita en la gira de muestra del último disco Avería y Redención #7 .

Verdadera presentación porque dejó pocos temas sin tocar del disco; apostando por lo nuevo, aunque no podían faltar temazos como la “La ciudad del viento”, “Salitre”, “Aunque tu no lo sepas”, “Pequeño Rock and Roll”, ” Cuando éramos reyes”, “Permiso para aterrizar”, “Vidas cruzadas”…; lo máximo que pudo meterse en dos horas de concierto con tres bises. Grande Quique, muy entregado y emocionado al piano y un tanto extrambótico con el pie de micro, recordando a amigos que últimamente tiene en la profesión. Rebeca Jiménez, Carlos Raya y Toni Jurado estuvieron ahí y un público que comenzó bastante frío y que al final saltaba como en un concierto de rock.  

Es lo que tienen la butaca, que centran mucho más la atención en lo que has pagado por ver, pero que a mitad de conciertos como este no sabes donde tirarla, porque te sobra.

Podría terminar poniendo mi habitual puntilla con la iluminación que no ayudó en nada a mantener las emociones que transmitía Quique González, pero me parecería muy injusto que alguien, que sin pantallas gigantes ni parrafadas que justifican lo que dice y, sabiendo transmitir los pequeños detalles que rodean a nuestra vida, acabe menospreciado con esto. Perdónenme, pero me quedo con la gente al final del concierto mostrándole su agradecimiento a un Quique que recibía las manos al borde del escenario.

Crítica del concierto en El País: http://www.elpais.com/articulo/madrid/Quique/Nino/elpepiespmad/20080419elpmad_17/Tes/

Además de estas tres películas, unas mejores que otras, si nos ponemos a mirar la cartelera actual no son las únicas películas que han sido sacadas de una novela o bien simplemente son sagas o actualizaciones de películas antiguas.

Que a la “factoría de los sueños” se le ha secado el cerebro no es un secreto sino que es algo que se viene viendo desde hace ya unos cuantos años. Secuelas, precuelas, remakes y un largo etcétera de películas “basadas en” son algunas de las que al llegar a España se han convertido en auténticos taquillazos.

En nuestro país nos quejamos de que el cine no tiene calidad y que por ello la gente no va al cine a ver esas películas. Sin embargo, la gente abarrota las salas de cine para ver películas como Matrix, la trilogía, El Señor de los Anillos, la trilogía, Piratas del Caribe, la trilogía o Orgullo y Prejuicio, El Perfume e incluso Alatriste, una incursión del cine patrio en la adaptación de novelas.

Es el abandono total de la originalidad y de las ideas, de las historias que pueden llegar a conmover al espectador. Es simplemente el negocio, sacarle partido a la maquinaria del cine. Y eso que hay fantásticas adaptaciones de novelas, superando a la versión escrita. Pero no quita para que, a la hora de ir al cine, la repetición y la sensación de falta de ideas termine por cansar y aburrir a quien se sienta en una butaca para dejarse seducir simplemente por una buena historia.

S.L.B. Seguramente estamos todos más que enterados de como funciona el mundo, y que el nacer en un país con el que se discrepa en la mayor parte de sus criterios, impuestos por supuesto, no debe ser nada fácil.

La familia protagonista de esta cinta está en esta tesitura en un Irán que se parece al que nos enseñan en los telediarios, pero que no es del todo cierto. Irán es uno de los países del medio oriente más avanzados en lo que a libertad de acción se refiere; el problema es quien lo gobierna. Un sistema radical islamista que coharta las libertades individuales de la persona centrando todos sus esfuerzos en mantener una globalidad que no tiene rasgos que la una, a pesar de que nos empeñemos en ello.

La revolución conduce a la niña, dentro de un entorno directo occidentalizado que la carga de clichés,  al lado contrario de lo normal, hasta que entiende sus raíces y lucha por conciliarlas con su esencia personal. Al llegar a este punto, Persépolis retoma la profundidad con la que comenzó y abandona la narratio de la segunda parte de la película que más bien parece la telenovela de una adolescente.

Los padres y una abuela, demasiado liberal para elcontexto, intentan guiar a una niña (algo que ya resulta complicado de por sí en los tiempos que corren) a coexistir entre dos formas de ver el mundo. Dudas, incomprensión, rebeldía se mezclan con inocencia, envidias y el “No todo vale” y “lo diferente no siempre es mejor” también de nuestro mundo “ideal” occidental.

La versión cinematográfica del cómic de Marjane Satrapi cuesta introducirse en el espectador, pero cuando lo hace estamos dentro e identificados con la historia, seguramente porque a pesar de que no juzga a la sociedad iraní se inclina ligeramente a lo europeo. Por venir de Francia, por deseos de su autora, porque roza lo superficial, o porque simplemente, la vida tampoco hay que tomársela tan en serio.

Página Web:http://www.persepolislapelicula.es/

S.L.B. Cuando Jasón abandona a Medea para casarse con Glauce, ni se imagina que aquella mujer que dejó a su familia por estar a su lado, sacaría un duro y vengativo carácter. Por el jefe de los argonautas pasó a ser la extranjera y a sentirse sin voz ni voto en el reino de Creonte, que aceptando la boda con su hija envió a Medea desterrada un día para que se consumara el matrimonio.

Pero les salió mal la jugada pues Medea es mucha Medea. Segura de sí misma y de sus derechos mata a Glauce y reclama a Jason su papel como esposa y madre de sus hijas.

A partir de este momento Eurípides se marcha con los griegos y la historia, que como la mayoría de los clásicos mantiene una vigencia sorprendente en la actualidad, pasa a ser un culebrón de programa de corazón de sobremesa. Acusaciones sin pruebas, amenazas, papeles de víctimas bien aprendidos y mucho dinero de por medio; todo ello girando junto a las luces de un plató de televisión con muchos brillos.

Un espectáculo escalofriante donde Medea y Jasón se compinchan, previo cheque, para subir la audiencia creyendo tener el poder de la situación. Pero estas cosas no funcionan así, no se en Grecia, pero seguro que no en el siglo XXI, y la audiencia manipulada termina por ir contra ellos, pues la televisión gana a la voluntad humana. Y ni una mujer con derechos ni un Jasón acostumbrado a salirse con la suya podrán desactivar la maquinaria que desgraciadamente hace mucho que está en marcha. La desgracia venía avisada ya desde hace mucho y se cumplió.

   I.H.M. Basada en la exitosa novela homónima de Khaled Hosseini, la película relata la vida del afgano Amir y su continua lucha por ser capaz de defenderse a sí mismo y a los suyos. Ya desde pequeño, cuando su única preocupación debía ser ganar la competición de cometas junto con su amigo Hassan, un hazara de clase inferior que también es su sirviente, crecía en él una envidia hacia su compañero de juegos, siempre fiel y obediente, debido a la admiración que siente el padre de Amir por la valentía de Hassan. Pero la situación política de Afganistán cambia rápidamente, y Amir tiene que irse a América junto con su padre, mientras que Hassan se queda en Kabul; sin embargo, a pesar de la distancia y los diferentes caminos que llevan ambos, hay algo en esa amistad que ninguno de los dos puede olvidar.

    La película tiene diferentes saltos temporales y espaciales, pero, en resumen, se podría dividir en tres partes, relacionadas con la evolución hacia la madurez del protagonista. Porque, lo que realmente cuenta el film, es la historia de redención de Amir; desde que recibe la llamada al principio de la película pidiéndole que regrese a Kabul, ya siendo adulto y viviendo en América, sabes que existe un motivo muy fuerte para que él lo haga. El resto de la película, todo el trasfondo político que hay detrás, no es más que eso, simple contexto. Que ocurra en una situación así en concreto y no en otra hace que sea más duro aún, pero no más creíble (al contrario).

Si bien es cierto que este tipo de historias son enternecedoras y, en este caso en concreto, no están nada mal, es más de lo mismo. Marc Forster, como hacía en “Descubriendo nunca jamás”, relata otro mágico e idílico cuento, pero, esta vez, con un contexto real, mucho más duro de lo que la última parte de la película entrevee, y su visión americanizada de la realidad deja, a mi gusto, un amargo sabor de boca. A pesar de lo bonitas que son las cometas en el cielo, y del poder de redención de las personas. No siempre gana Peter Pan, mal que nos pese.

    I.H.M. Escribir es, según el diccionario de la Real Academia de la lengua española, el acto de “representar las palabras o las ideas con letras u otros signos trazados en papel u otra superficie”. Pero, para muchos, el acto de escribir es algo mucho más profundo, que va más allá de la simple unión de las palabras. Este es el caso de Javier Das, para el que escribir es “aquello que me ha ayudado a conocerme y mediante lo cual me expreso, saco todo de dentro, me desahogo y que viaja conmigo, cambia conmigo. Para mi es una forma de vivir”. Así lo expresa también en su poesía “Enfermo”, perteneciente a su primer libro:

“Me encuentro

    I.H.M. El título original de la película, “La otra Bolena”, es mucho más significativo que la traducción que han hecho del mismo para la cartelera española, pues se refiere al punto clave sobre el que se sustenta toda la película: cuál de las dos hermanas será “la otra” en la puja por el amor de Enrique VIII (Eric Bana), rey de Inglaterra. Ana (Natalie Portman) y María (Scarlett Johansson) dan vida a ambas hermanas, aparentemente uña y carne, pero rivales en la conquista de Enrique VIII. En definitiva, una historia como otra cualquiera sobre intrigas palaciegas, ambición, odios, amoríos y venganzas.

O.L.M Delicioso es el adjetivo que se me viene a la cabeza cuando pienso en este libro. Delicioso porque es ameno, interesante, conmovedor y también duro en su justa medida, para que se pueda disfrutar más de los bellos momentos. Es un libro de un periodo de nuestra historia desconocido por muchos, entre los que me incluyo, las Guerras Carlistas, que se muestra ante nuestros ojos de una manera trágica y brutal y que, como buen telón de fondo, acompaña sin entorpecer el paso de la historia de la novela.

Proque trágica es también la vida del protagonista, unida de manera irremediable a los acontecimientos políticos que le rodean pero más aún a la tierra en la que nace, se cría y a la que finalmente vuelve, una tierra dura pero a la vez fértil donde las vides son la forma de supervivencia de los aldeanos.

Su autor

Nacido en 1926, el dominio del lenguaje de Noah Gordon es simplemente brillante para mi gusto, porque transmite emociones que sólo se pueden sentir si antes se han vivido situaciones parecidas, y sin embargo gracias a él todos nos podemos ver pisando uva, oliendo el aire cálido del atardecer catalán y bebiendo un vino amargo como el vinagre.

De este autor sólo había leído El Médico, su gran obra maestra que le catapultó a la fama internacional. Sin embargo, y tal vez porque toca más de cerca mi forma de ver y sentir la vida, este libro es más cercano, porque los sentimientos universales son más fuertes cuando se está en contacto con la naturaleza y en este libro la naturaleza, en general y la humana en particular son sus dos grandes protagonistas.

I.H.M. La sorpresa de la pasada edición de los Goya sí que ha resultado ser una auténtica sorpresa como película, además de una merecida ganadora de la mayor parte de los galardones (aunque algunos discutibles, como el de mejor actor revelación) de la ceremonia. Por fin se tiene en cuenta otro tipo de cine que también exite en nuestro país, que cuenta otro tipo de historias de otra manera, que experimenta; porque, aunque la película no es una obra maestra, es algo nuevo, y es necesario tener en cuenta lo innovador para que el cine avance.

La película narra dos vidas, la de Adela y la de Antonia, en principio diferentes, pero finalmente ligadas por un sentimiento, el de la soledad; la de Adela, una madre separada que decide marcharse del pueblo y probar suerte en Madrid, es una soledad real, en parte buscada, pero también en parte obligada a soportar por el peso que tienen las consecuencias de sus propios actos. Mientras, la soledad de Antonia es en apariencia inexistente, pero quizás por eso mismo sea aún más dura, pues pese a estar siempre acompañada de sus tres hijas y su novio, nadie parece darse cuenta de la importancia que juega en la familia.

La primera escena de la película, un paisaje rural con vacas en primer plano y casas al fondo, dividido por un poste en dos mitades, es un indicativo de la que será, o por lo menos intenta ser, la pretensión global del film: la dualidad . La historia, comentada en el párrafo anterior, es parte de esta idea, pero el recurso rey al servicio de ésta es el sistema de polivisión, quizás la gran innovación que propone el film; un lugar, dos cámaras en dos emplazamientos diferentes, dos puntos de vista. Lo que vemos y lo que no vemos, lo que está pasando en la cocina mientras no estamos, lo que pasa en el salón mientras el protagonsita está en el baño. Es un recurso que abre muchas posibilidades y que, bien empleado y en su justa medida, puede dar agilidad al metraje.

Quizás en “La soledad” se abuse de este recurso, al igual que se abusa de la duración de algunas escenas (aunque muchas tengan sus motivos, aunque puede que sea la duración real de los acontecimientos), y por ello la película tiende a hacerse pesada. Este es un inconveniente que aleja la película del gran público, al igual que el tipo de historia que cuenta, más bien “pequeña” (según el ojo que mire, claro está). Pero esto no quita para que se trate de una película necesaria, que sirva como precedente y como aprendizaje para todo el nuevo cine independiente (o no) que esté por venir. Porque en la variedad está la riqueza, y quizás ese continua siendo el punto flaco del cine español.

S.L.B. El pasado sábado en el suplemento Babelia aparecía una larga lista de musicales llevados al cine con mayor o menor éxito que sus homólogos de las tablas. “Sweeney Todd” es el último en sumarse a esta moda que parece atraer al público comercial de las salas y de paso rentabilizar su posterior paso por Broadway ( o en el Teatro Español eso se espera dentro de unos meses con este).

Pero esta película, nominada al óscar a la Mejor Película y Actor, no es un musical al uso. Primero porque ¿quién conocía la historia del barbero diabólico teniendo ya un Jack el destripador que pululase por las calles del Londres victoriano? Pues no podía ser otro que el genial Tim Burton, y este es otro rasgo distintivo y el principal. No es un musical, es un film de Burton, con sus actores fetiches (Johnny Depp y Helena Bonham Carter) y con una estética oscura, como la de sus primeras películas.

El punto débil, la historia que es bastante limitada. Algo que comparte con el musical que la utiliza muchas veces solo como contexto para la puesta en escena y que influye en el ritmo, también en el de la película. Cantan mucho y hablan poco, pero se consigue que cada momento sea intenso.

Ir al grano parece ser la clave para elevar un argumento pequeño a una buena película( aunque haya un italiano vestido de torero): el comienzo veloz y el final en el momento justo. La sangre corre en abundancia en la  buhardilla, pero esto si que es elegancia y no lo de Tarantino, con perdón.

http://www.sweeneytoddmovie.com/

http://www.elpais.com/articulo/arte/Travolta/Evita/barbero/demonio/elpepuculbab/20080216elpbabart_13/Tes/